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Le 13 canzoni più sottovalutate del 1975

Nel decennio che molti avrebbero sostenuto come il migliore nella storia della musica, il 1975 rappresenta un raro momento in cui lo spirito del tempo si è un po’ smarrito. Di stanza tra le braci morenti del rock e del folk e la prima fiamma del punk e della disco, il punto centrale era in qualche modo una stranezza poiché gli artisti sembravano incerti su dove andare dopo.

Tuttavia, i capolavori sono stati ancora prodotti dai vecchi maestri quando Bob Dylan ha consegnato il suo omonimo ritorno per formare un disco Sangue sui binariDavid Bowie ha continuato la sua corsa d’oro con Giovani americani, Patti Smith ha illuminato il futuro con il capolavoro Cavalli, e The Who ha preso una piega dolce con Il Who per numeri.

La musica è indicativa di un momento transitorio nella storia culturale. I film stavano per cambiare come Mascelle è diventato uno dei primi grandi successi e ha inavvertitamente inaugurato un movimento più commerciale del cinema. Altrove nell’arte, Lo spettacolo dell’orrore roccioso ha avuto la sua prima uscita e Qualcuno volò sul nido del cuculo si è rivelato un capolavoro.

In breve, nonostante il 1975 fosse in qualche modo una depressione in un decennio altrimenti di vette elevate, c’era ancora più che sufficiente arte magistrale in movimento per sussumere i timidi sforzi che semplicemente non avevano la loro parte sotto i riflettori. Non preoccuparti, però, come sempre con la nostra funzione “sfortunati per alcuni”, stiamo dando una seconda uscita alle gemme nascoste dell’anno e puoi trovarle tutte anche in una playlist in fondo al pezzo.

Le 13 canzoni più sottovalutate del 1975:

13. “Buon senso” – John Prine

Lo sforzo di John Prine del 1985 Buon senso potrebbe anche soffrire perché vaga verso una produzione leggermente più sgargiante che sminuisce il suo stile aderente e appropriato. Tuttavia, se ti addentri nella distrazione della sua ambientazione sconosciuta, le strade polverose della saggezza rappresentate dalle sue parole sono ancora più commoventi che mai.

Ciò traspare in questa title track mentre si fa strada in rima attraverso una situazione personale in cui il senso è perso per ogni festa e i bassi sembrano sostituire qualsiasi massimo. Come al solito, mantiene la sua aria di umorismo su cose con versi come “Solo tra me e te / È come tirare
Quando dovresti shovin, / Come una suora / Con la testa nel forno / Per favore, non dirmelo / Che questo non era niente.

12. ‘Poetry Man’ – Phoebe Snow

In ‘Poetry Man’ c’è una giusta ironia. Come spiega Snow riguardo a quando ha scritto la canzone, “La mia testa era in un punto particolare quando l’ho scritta. Condona le relazioni extraconiugali, che ora non condivido affatto. Ero uno sciocco allora che non aveva idea di cosa stesse succedendo e ho fatto sesso con un uomo sposato. Ciò potrebbe rivelarsi deplorevole per Snow in retrospettiva, ma la canzone ha un’aria di fallibilità, quindi c’è un’ironia nel fatto che il messaggio alla fine si sia concretizzato nella realtà.

Con uno stile blues lento e una voce sognante, la canzone si intreccia lentamente in uno swing pieno di seta. La sincope aumenta e diminuisce in modo interessante dando alla canzone un tocco jazz, ma è eseguita in modo troppo fluido per essere mai stridente.

11. “Innamorarsi” – Hamilton, Joe Frank e Reynolds

Nel maggio del 1975, un’intera schiera di persone si stava raggomitolando davanti allo specchio per prepararsi per un appuntamento notturno con i toni morbidi di Hamilton, Joe Frank e Reynolds che giravano sui loro giradischi. La canzone evoca ancora quella vignetta fino ad oggi: premi play e all’improvviso c’è uno sbuffo di profumo nell’aria e l’odore di vernice in una permanente da discoteca.

Con armonie da rivaleggiare con qualsiasi altra dell’epoca, Hamilton, Joe Frank e Reynolds hanno offerto una sorta di marchio di Los Angeles dall’anima plastica che ondeggiava con la stessa facilità di taglio del burro della cosa reale. È una traccia così fluida che anche il più fervente fan del forro brasiliano non potrebbe detestare i suoi splendidi toni trapuntati.

10. “L’acqua non ha nemici” – Fela Kuti

È accettato dalla maggior parte delle persone che hanno approfondito Kuti che oltre ad essere un personaggio roboante, è un musicista di eccezionale talento. Tuttavia, è tutt’altro che il maestro musicale più facile in cui entrare. Il suo stile selvaggio può spesso produrre risultati selvaggi che sconcertano piuttosto che ingannare.

Per fortuna, il suo inno del 1975 “Water Get No Enemy” si rivela il punto di partenza perfetto da prendere mentre cucini, scuoti alcuni fianchi e brucia accidentalmente la casa. Al di là del ritmo battente c’è un formidabile senso dell’atmosfera che offre epica evasione e gioia colorata.

9. “La prossima grande cosa” – I dittatori

Una delle caratteristiche più distintive del punk era che riportava le risate nella musica e rendeva di nuovo divertenti le chitarre. Con “The Next Big Thing”, i Dictators hanno voluto chiarirlo fin dall’inizio mentre Andy ‘Adny’ Shernoff, tutt’altro che professionale, grida: “Non dovevo farlo, non dovevo farlo mostrati qui, con le mie migliori disponibilità finanziarie, avrei potuto crogiolarmi al sole in Florida, questo è solo un hobby per me, niente che senti, un hobby!

Successivamente l’inno proto-punk è una raffica di energia che riporta la giovinezza nel mix di musica. Graffiante e trasandato, non supererà alcun test di bellezza musicologico, ma ha servito qualcosa che il punk ha fatto magnificamente: suonava come un gruppo di persone che si divertono.

8. “Prendi lode” – Camille Yarbrough

C’è qualcosa di speciale nell’ascoltare un campione nella sua forma originale. Improvvisamente un ritornello che hai sentito mille volte si trasforma, e quando si tratta di ‘Take Yo’ Praise’ si trasforma oltre misura. In effetti, dà anche un nuovo significato all’iconica rielaborazione di Fatboy Slim.

Per quanto spogliato puoi ottenere, la nudità musicale della traccia gli conferisce un’audace vulnerabilità e consente un’ondata sexy mentre i preliminari passano da un’ode di gratitudine a un sussulto di passione. Questa è la testimonianza non solo di una canzone brillante, ma anche di una performance davvero brillante e ricca di sfumature di Camille Yarbrough e della sua voce sfacciata.

7. “Posso aiutare” – Billy Swan

Non so voi ragazzi, ma avrò sempre un sacco di tempo per un uomo di nome Billy Swan che porta a casa quel marchio stando in piedi in un prato accanto a un cigno in una vasca da bagno per la copertina del suo album. Quel vezzeggiativo stravagante è perfettamente trasposto nella canzoncina divertente che è “I Can Help”.

Con un’atmosfera rockabilly di ritorno agli anni ’50 e lo stesso suono “qualcuno si è addormentato sull’organo Hammond” che ha definito alcuni circoli soft rock nei primi anni ’60, c’è un’atemporalità nello stile eccentrico di Swan. In definitiva, l’intera faccenda è troppo affascinante per lasciarsela sfuggire.

6. ‘Squire’ – Alan Hull

Il suo modo di scrivere è stato paragonato a quello di Bob Dylan in un recente BBC documentario e ha ottenuto alcuni successi con Lindisfarne, ma il lavoro solista di Hull semplicemente non ha ricevuto l’attenzione che meritava. Forse era troppo bizzarro, forse semplicemente non si adattava ai giusti rack di dischi, o forse l’ironia dei suoi studi sul personaggio era sfuggita?

Per fortuna, questo viene gradualmente risolto grazie a persone come Sam Fender che sostengono l’eroe locale che lo ha preceduto. Lo “Squire” è un buon punto di partenza con il lavoro solista di Hull, con un sorriso ironico, sposa lo spirito di un dandy ambiguo che richiede proprietà e ricchezza e apparentemente una ricarica di tabacco per la sua pipa.

5. “Quando un vecchio giocatore di cricket lascia la piega” – Roy Harper

Seguendo quel senso di spirito inglese, non si ottiene più “pensiero greenfield” del classico di Harper “When An Old Cricketer Leaves the Crease”. È un titolo che cattura l’attenzione in un istante: quanto è rinfrescante spezzare il flusso infinito di canzoni d’amore con un bel po’ di poesia sullo sport più leale che ci sia.

Come ha spiegato Harper: “I miei ricordi d’infanzia della statura eroica dei calciatori e dei giocatori di cricket del giorno evocano i suoni che li accompagnavano. Di primaria importanza tra queste era la tradizionale banda di ottoni dell’Inghilterra settentrionale, che era una componente sociale funzionale durante tutte e quattro le stagioni, essendo vista e ascoltata in molti contesti diversi. Il mio uso di quello stile musicale in “Old Cricketer” è un tributo a quei ricordi lontani”.

4. “Solo tu lo sai” – Dion

Il lavoro di Dion ha continuato a ispirare artisti del calibro di Bobby Gillespie dei Primal Scream e Alex Turner degli Arctic Monkeys, ma al momento del rilascio, “Only You Know” è stato spostato verso il mucchio di cenere della storia. Certo, il suono porta echi di un’era passata, e la peculiare lontana produzione di Phil Spector gli conferisce un’aria strana, ma tutto questo sicuramente non fa che aumentare l’interesse e fa emergere il songwriting di Dion.

Il suo vecchio lavoro con i Belmonts era stato a lungo sostituito in questa fase da un approccio più solenne e ponderato, ma la vecchia sensibilità pop del ritmo e della bravura performativa rimangono. Questo crea un suono unico che risulta difficile da posizionare nel miglior modo possibile.

3. “A diciassette anni” – Janis Ian

La relazionabilità è un elemento bellissimo e il signore sa che milioni di persone si sono sentite allo stesso modo di Janis Ian nel corso degli anni. Come ha detto fatti della canzone di ‘At Seventeen’: “Non sono mai andato a un ballo di fine anno, ma sono andato al mio ballo di prima media. Questo è il trucco, è proprio come recitare. Quante persone stanno giocando Frazione il cui padre è un re? Prendi la tua esperienza, ci trovi qualcosa di simile e attingi a quella. Anche se non sono andato al ballo di fine anno, sapevo com’era non essere invitato al ballo”.

Lungi dall’essere infantile, la canzone ha un’atemporalità che la rende una stampella per qualsiasi generazione su cui appoggiarsi quando l’autostima potrebbe diminuire. È questa aria di vulnerabilità che conferisce alla canzone la sua incrollabile sincerità.

2. “Diamanti e ruggine” – Joan Baez

Come ha esclamato Bob Dylan di recente sul palco: “Joan Baez ha la mente tenace come loro. Uno spirito veramente indipendente, nessuno può dirle cosa fare se non vuole farlo. Ho imparato molte cose da lei. Per il suo tipo di amore e devozione, non potrei mai ripagarlo”.

Questa stessa nozione è ciò che fa volare “Diamonds and Rust” in mezzo al pantheon di odi e pini di rottura che la musica ha offerto. Se Dylan e Baez hanno incarnato quel folk riguarda l’universalità senza tempo, allora il pastiche che Baez dipinge con la sua commovente epopea è qualcosa che trascende la specificità contenuta all’interno e arriva al tipo di allegoria con cui chiunque può entrare in contatto, anche dietro un albero abbattuto da tempo l’erba rimane più verde. Forse è per questo che la bellezza dell’opera di pipe e pantofole è sbocciata solo da quando è stata pubblicata, anche se in qualche modo inspiegabilmente non è riuscita a classificarsi nella top 30 originariamente.

1. “Khala, il mio amico” – Amanaz

Nel bel mezzo dell’indipendenza dello Zambia, nacque una rivoluzione culturale e un piccolo gruppo di minatori ed ex combattenti per la libertà coloniale formò una banda chiamata Amanaz. Amanaz avrebbe registrato una canzone intitolata “Khala My Friend”, che, per tradire un’opinione personale, è la mia canzone preferita del continente. Purtroppo, tuttavia, è anche un disco che rispecchia la realtà agrodolce della scena stessa.

La brillantezza luminosa dell’emergente Zamrock sarebbe finita bruscamente. Lo Zambia sarebbe stato devastato dall’HIV negli anni ’80 e quasi tutte le band sarebbero morte. In un paese nuovo per i dischi, gran parte della musica morirebbe con esso. Tuttavia, quel cirripedi sempre determinato si sarebbe ancora aggrappato e circa cinque anni fa i master tapes per Amanaz sarebbero stati riscopriti e ristampati, per essere ascoltati dalla stragrande maggioranza del mondo per la prima volta in assoluto.

La melodia tintinna in sottofondo, gli strumenti si armonizzano e poi si separano come la migliore poesia in cui ogni parola è in qualche modo inevitabile ma profondamente confondente. E su questa dolce e travolgente serenità arriva una voce che suona così vissuta, così premurosa e premurosa, che canta “il mondo è pieno di miseria” e tuttavia con il verso successivo pronuncia le parole “amico mio” e “Mi mancherai ” con tale verità e tale incessante animo, che non solo ricorda all’ascoltatore cosa può essere l’amicizia, platonica o meno, ma celebra la compagnia con uno splendore che si eleva al di sopra del malessere della linea precedente verso un’esultante euforia.